冷军老师把油画往超写实推进了一步，也是将中国的油画发现推进了一步。其作品也是达到了一些油画家无法达到的效果。可想而知。
你喜欢的文艺复兴时期的画作是什么？文艺复兴时期我最喜欢的画家，其实并不是三杰，也不是网红提香之类，最喜欢的是独树一帜的波提切利和他的老师里皮的画。当然啦，波提切利忘恩负义是他的为人问题，但是他的画......的细腻，色彩，想象力，以及表达出来的那种充满自信的人文光辉，真的是非常迷人，辨识度也非常高。如果单说为什么喜欢，那最直观的感受就是看着舒服，赏心悦目。而且波提切利的绘画往往故事性极强，看起来非常的有意思，真的是非常享受。
作品：
《维纳斯的诞生》
最著名的作品之一，乌菲齐美术馆镇馆之宝之一，她的美至今定义了人们对美的统一认识。
《春》
最著名的作品之一，乌菲齐美术馆镇馆之宝之一，每一位神的动作都有意指，真不愧是最会讲故事的文艺复兴画家。
《三博士来朝》
将自己最慷慨的客户美第奇家族成员画在画中，甚至也将自己画在画中，人物表情和动作生动。
《诽谤》
每个人身上都充满了故事，每个人都具备独特的象征意义，放在一起讲述了一个完整的故事，可看性极强。
《男子肖像》
表情淡然自信，可以说是最具代表性的文艺复兴时期世俗肖像画。
另外一位比较喜欢的是卡拉瓦乔，这位文艺复兴后期的画家，颠覆了所有之前的杰出画家对光影的统一认识，人物和故事生动到呼之欲出，极具感染力，虽然短命，一生各种坎坷，留下的画也不多，但我宁愿跑遍大半个罗马去搜寻他在各种不出名的教堂里的壁画，真的非常独特，这种具有煽动性的画，是矫饰主义的开端，更是后来西方美术光影艺术的全新开始，让人不得不敬佩他的天才和独特的绘画感觉。
卡拉瓦乔的另一个优点，也是关乎他自身的悲剧，他一生穷困潦倒，最后还成了杀人犯，可以说他的一生都很郁闷，而这种自我否定完全表达到他的画里，让他的画作反而大放异彩，具有了耐人寻味的味道。
《酒神》西方最多艺术作品描述的希腊神，也是卡拉瓦乔最著名的作品。对水果景物的描述在那个时候简直到达了出神入化的地步。
《拿水果篮的男孩》据说是他的蓝朋友，可以看到男孩暧昧的眼神和影射到画家身上的爱意。
《手提歌莉娅头颅的大大卫》刚刚杀死巨人的大卫，这也许是最特别的对大卫杀死巨人的表现形式，而这个巨人的头，正是他本人的肖像。可以说是最鲜明的自我否定的作品。别的画家都会把自己画成故事里的正面人物，只有他将自己画成怪物。
《耶稣下十字架》
这幅壁画至今还摆在罗马的一座小教堂里，很多外国人慕名而来，就是为了观看这幅作品。生动的肉体在黑暗的背景中呼之欲出，给人强烈的真实感。
最后一位，伦勃朗，弗兰德斯地区最优秀的画家代表，看伦勃朗的画，远近高低都会有不同的感受，它是一位光影魔术师，不仅仅是因为生动的画面，呼之欲出的故事，更是因为他独创的手法，让人觉得太神奇了。
《夜巡》伦勃朗最具代表性也是最著名的群体画。别人画合影都是一字排开，所有人看镜头，他第一个开创了抓拍，人物群体富有故事性，人物形象跃然纸上。
《羊毛商会的合影》伦勃朗活了很久，他的作品伴随自己一生，几乎是每幅画后面都有他的人生和故事，伴着这些看伦勃朗，绘画都变得更生动了。
伦勃朗画的一位大主教，被称为欧洲肖像画的典范之作。他非常善于捕捉人物表情，用人物的神态来表现人物性格和身份，用衣着等细节精准贴合人物形象。虽然是一幅简单的肖像画，但内容极其丰富。这幅画充分表现了伦勃朗对这位德高望重的主教的尊敬，主教红肿的眼眶里，露出坚毅诚恳的目光，反映了人物的权威性和为各种事物操劳的尽心尽力。
《犹太新娘》最值得去现场观看的画，也是伦勃朗绘画技巧的巅峰之作。人物衣着的用色和用光，从不同角度、远近高低，都能看出各种各样的变换，非常神奇。
喜欢这三位，其实有一个共同点，那就是他们在同时代都是最特别的，同时也是最优秀的，而我就喜欢与众不同的东西，这些画当你面对他们，是给你冲击最强的，这种感觉太真切的，不需要用再专业的角度去分析了。
梵高的《向日葵》为什么会成为世界名画？提起梵高，在大多数人的脑海里，都会情不自禁的联想到，他极具代表性的著名作品——《向日葵》。
由于他的生活离我们已经太久远，只能通过一些资料查阅，来发现作品中人物性格特点，历史背景，以此窥见这位艺术巨匠，穷困潦倒，处处充满失意却依然满怀炽热激情，追求光明与温暖的一生。
梵高的生平
1853年3月30日，梵高生于荷兰南部布拉邦特的格鲁特·曾德特，是荷兰新教 牧师泰奥多勒斯·梵·高和安娜·科妮莉娅·卡本特斯的长子。早年的他，做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士，最后投身于绘画。 1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品
视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。1888年，同年与高更交往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的疯病时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。 1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，享年37岁。
梵高与弟弟提奥
梵高从小喜欢小说，哲学，神学，与弟弟提奥感情非常好，长大后两人不在一起生活，梵高也经常给提奥写信，20年时间写了700多封信，包括后来梵高寄给提奥的画，提奥如视珍宝完好无损地保存着。梵高一生拮据，他的生活费以及作画用的颜料和纸，都是由他的弟弟提奥提供，弟弟是梵高唯一的情感支撑和经济上的支柱，是提奥的支持才成就了艺术造诣非凡的梵高。
创作风格的转折
在梵高的一生中，他的艺术从不被人认可，直到1886年，他跟随弟弟提奥来到巴黎，结识了高更，毕沙罗、塞尚等印象派和新印象派的画家，这是他创作风格转折的契机，并受到了日本浮世绘的影响。浮世绘是日本的风俗画，这种画的用色有个很大的特点，就是运用强烈的色彩对比，来表现空间的关系，运用鲜艳的颜色来表达画中的事物。高更和梵高都很喜欢浮世绘，他们因此得到了启发，也意识到色彩在画中的重要性，所以，我们今天看到的梵高和高更的画，都有着各种明亮的黄色、红色、蓝色、黑色等元素交织在一起。
一直以来，《向日葵》代表着太阳之光，靓丽与希望，带给梵高泉涌般的灵感、巨大的动力以及无限的激情。《向日葵》的花语是：爱慕、光辉、高傲。它的生长姿态犹如在仰慕、凝视着世人，又像是种在地上的太阳，人们常常对它寄予希望。梵高的《向日葵》不仅是一种绚丽明亮、寄托着希望和幻想，而是疯狂到超出想象。虽然，岁月把他的生活趋于暗淡，甚至过于暗淡。但是，那旋转的涡流里不断涌出的绚烂烈焰，使人们在未来世界里产生积极的共鸣。
艺术创作走向卓越
一个自学成才的艺术家。梵高的艺术人生非常坎坷，从巴黎到阿尔、奥维尔，这些经历都给他新画风提供了机遇。直到梵高怀着无限憧憬，来到那座充满阳光色彩的小城时，他才迎来了人生绘画的巅峰时期。阿尔强烈的阳光和绚烂的麦田让他找到了归宿，梵高也因此被触动，迸发出万般灵感，笔走龙蛇，尽情描绘所见之景。而《向日葵》就是在这样的环境中诞生，并一步步走向成熟。 梵高所绘的《向日葵》组图中，最声名显赫的莫过于，那幅有着15朵的《向日葵》。画面上这些随意插在花瓶里的《向日葵》，激荡着令人心旌摇曳的绚烂辉煌。梵高使用的是浓墨重彩的风格，其刚劲有力的笔触仿佛在背景上直接拍上了一处水彩，黄色和棕色配成的主色调，绘制出生机勃勃、热情洋溢的美好生活。
仿佛置身于一团燃烧中的火焰，释放着涌动的激情，驱使着大胆奔放的笔触，与此同时，画面上色彩对比简单鲜明，随意的艺术点睛，充斥着妙笔神韵与泛滥的思想。直视画作，精神陡然颤动，激情喷薄而出，顿时与那慷慨激昂的画风产生共鸣，继而，渐渐融入主人那丰富的主观情感之中。
《向日葵》带给世界的启迪
梵高非常热爱自然，并且拥有一双发现美的眼睛，他常常能够从简单的事物看到纯粹的美。与他的好友高更完全不同的是，梵高觉得艺术家应当按照眼中所景绘画，不以自己的记忆去创作。他甚至说，即便看到的是树影，也不画脑中的想象之物。梵高对漫山遍野的《向日葵》、绚烂夺目的阳光，强烈热爱的程度，到了近乎疯狂的地步。在梵高眼里，向日葵不单单只是一种植物，而是和自己一样有生命的存在。他通过《向日葵》中的各种花姿来表达自我，透过疯狂的笔触抒发自己的精神世界，仿佛只有在描绘《向日葵》的时候，才能找到慰籍，得到心灵的释放。他甚至嘲讽自己道：“我越是年老丑陋、令人讨厌、贫病交加，越要用鲜艳华丽、精心设计的色彩为自己雪耻。”
在他看来，黄色不但代表了太阳、热情、狂热、爱情，也和自己的心境十分相似。当梵高画完那一组《向日葵》之后，《向日葵》就已然是梵高的象征了。在梵高美术馆中，悬挂着他的《15朵向日葵》，而在这幅画的旁边是高更所画的《梵高画向日葵》，高更画中的梵高是如此的专注入神。梵高偏爱画《向日葵》，另一部分原因可能是《向日葵》面向太阳盛开，是追求阳光的生命之花。而画《向日葵》就是在画太阳，一定程度上是在画自己。太阳、《向日葵》及梵高三者融成一体。梵高与《向日葵》共同谱写出相濡以沫、生命与共的人生交响乐。最终《向日葵》也成为了他悲剧一生的象征物。
《向日葵》确立了梵高的世界地位
"梵高喜欢《向日葵》的金色、阳光，这使他忘记了精神上的痛苦；梵高在法国结识了知己高更，并馈赠友谊之花——向日葵；虽在62天后与高更决裂，但这十五朵向日葵代表他们的友谊从不曾凋零；梵高逝世后，其艺术价值被人发掘，他的作品，以天价影响着世界，影响着20世纪的艺术，成为表现主义先驱。"梵高，影响20世纪法国画坛，并延续至今的艺术大师，他一生崎岖坎坷，被生活的窘迫所困，被精神上的痛苦折磨。但他留给我们的艺术，依然是那样的热烈、阳光。 艺术家梵高，虽然离开了这个世界，但是，那熠熠生辉的《向日葵》仍在如期绽放。
《清明上河图》的作者是张择端吗？你怎么看这幅名画？清明上河图，是北宋张择端画完以后献给宗徽宗？还是被招入翰林院才画的画？如果是画完以后才献给宋徽宗，张择端不可能拿到北宋宫廷的金丝绢，也不敢用金丝绢来作画。清明上河图的真迹，它的绘画题材，包括设计，都有能是按宋徽宗的构思，设计方式，反应时代风貌特征绘制出来的。北宋张择端的绘画，在远景与近景之间，安排得非常巧妙，云与雾的交融，天与地的完美结合，感觉画中有诗，但张择端却不敢提诗，不感落款，说明北宋张择端是为宫廷而画，为宋徽宗作画，画完还要经过宋徽宗的审核，自然也就不敢落款，他没有这个权力。北宋张择端的绘画水平，从远景来看画得非常柔和，似乎还要高于宋徽宗的绘画水平，宋徽宗的画《瑞鹤图》，《听琴图》，感觉画中线条还是有些疆硬，没有柔合感。所以，清明上河图的真迹，能够在北宋时期画出清明上河图的，必是张择端无凝。有这个传说，就必有这个人来画清明上河图，只是人们找不到北宋张择端的真迹，也就不敢断定为北宋张择端的真迹清明上河图。
中国画画的最好的画家有哪些？老一辈画家大家自然都很清楚了，也不必在此多言。至于当代优秀画家，其实也并不少，但多半知名度是远不及徐悲鸿、林风眠等大师的。而且，对艺术家的评判，其实是一个很难的问题，因为没有一个具体的标尺来进行衡量。相对而言，在我熟悉的现代画家中，比较喜欢的有谢楚余和杨云飞，虽然对他们本人并不是特别了解，但看从之前接触过的几幅作品来看，觉得构图、题材和功底都很不错。
谢楚余的代表作是《陶》，也常被大家称为《抱陶女》。据说此画是目前国内盗版最为严重的一幅作品，除了偷印之外，还有不少翻版画。《陶》是一幅具有东方气韵的油画，总能带给人以庄重典雅之美。
不过，事实就是地讲，除了《陶》之外，谢楚余似乎再无可与之其名的经典之作。或许，在《陶》获取最大成功后，作者在创作风格上很难再超出其范式。当然，就画工而言，谢楚余先生的作品还是无可挑剔的。
我个人比较喜欢的另一位当代画家，是杨云飞。最初知道这个名字，是因为一幅名为《荷叶屏风》的油画。这是一幅在国内艺术品拍卖史上占据重要地位的油画，也是深受艺术评论家好评的作品。
杨云飞采用虚实结合的画法，将传统国画的题材置于模特之后，以暗色的背景来映衬身着红衣的模特，使画面具有强烈的视觉冲击。不过，除了这幅画以外，杨云飞先生的其他作品，我并不是特别喜欢。或许，这与每个人的欣赏品味有关吧。
至于题主在问题描述中所讲的，想了解有哪些反映时代精神和具有自己风格的画家，我建议可以关注下陈逸飞。个人觉得陈逸飞的不少作品，还是蛮符合这一标准的。最后，放上一幅陈逸飞的经典油画，以供参考。你知道哪些中国画家的名字？我知道的中国画家太多啦，微信好友里有几百个，中美协会员就有100多，在这抄写一大堆名字没有意义。
能不能先请教一下您为什么提这个问题，我猜测您应该是圈外人，对绘画艺术感兴趣，想了解一些画家。有时间可以bd一下，略有名气的网上都有，这里我按照我的理解给您做一些提炼。
要了解古代的画家您可以从“中国古代十大传世名画”开始，有东晋顾恺之的《洛神赋图》；唐朝阎立本的《步辇图》，张萱、周昉的《唐宫仕女图》，韩滉的《五牛图》；五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》；北宋王希孟的《千里江山图》，张择端的《清明上河图》；元代黄公望的《富春山居图》；明代仇英的《汉宫春晓图》；清代郎世宁的《百骏图》。配合作品更容易记住画家，了解了这些也就对古代画家有了基本的概念。
民国是继北宋之后又一个绘画艺术的高峰，涌现出一批优秀的画家，可以重点了解一下齐白石、徐悲鸿、黄宾虹｀、张大千……
我在头条上写过一些介绍画家和作品的文章，如果有兴趣可以翻看一下，也算帮我增加一些流量。呵呵，谢了。
印象派时期的风景画代表人物是谁？【印象派风景绘画艺术其代表人物有马奈、莫奈…】
［草地上的午餐］
印象派是十九世纪后半期诞生于法国的绘画艺术流派在那个时期，其著名的绘画艺术家（包括风景画）有：马奈、莫奈、莫里索、毕沙里、保罗·塞尚、德加、科罗、雷诺阿、西斯莱等。
［绘画艺术大师-莫奈］
那个时期印象派的绘画特点一．那个时期的艺术家们走出画室、深入到乡村、街头、原野，把对自然清新生动之景色感观放在了首位，认真寻找和观察沐浴在阳光中的自然景色，寻找并把握色彩的冷暖变化以及它们之间所产生的作用。
二．印象派之风景画作，给观赏者第一印象就是看似随意实则准确地抓住对象的迅捷其手法，把变幻不居的光色效果记录在画布上，给人以一种梦幻般的感觉。
［日出·印象］
印象派绘画艺术的魅力与影响力一．印象派艺术运动的影响力范围之广以经遍及世界各国，获得了辉煌的成就。
二．这些艺术品直到如今，仍然是人们喜爱的文化宝藏。
印象派绘画艺术之代表作有《日出·印象》、《草地上的午餐》等。
感谢（问答）邀请！
冷军的画艺术价值体现在哪？超写实作品是大多数艺术家所追求的吗？冷军的油画艺术价值，超写实作品是大多数艺术家所追求的
似乎当代的中国油画要以冷军的油画为“标杆”了，有关冷军的油画话题估计没有谈论了百次，也有数十次之多了，凡是稍微喜欢油画艺术的人，都避免不了议论冷军，不是因为冷军长得多有男人味或“艺术范”，而是因为冷军笔下的超写实油画作品太逼真了，如同高像素的摄影照片，让人一时间难以分辨，
冷军作品
那么冷军的油画艺术价值体现在哪里呢？这总是会引起争议的问题，我个人认为，冷军的油画艺术价值体现在“面面俱到”的技术含量，意思是说，冷军的油画作品依靠的是足够细致入微的技巧，对于艺术而言，一个画家在创作时运用了过多的技巧时，创作出来的作品就没多少艺术价值了，简单理解就好比机器制造，
冷军作品
我们可以仔细观察冷军的油画作品，有必要的话还可以用放大镜观看，画面的笔触都是很机械化的，看不到什么起伏；当然了，技巧高超也是艺术水平的体现，毕竟艺术也要以技巧为基础，没技巧或技巧不到位就无法创作出高清逼真的超写实油画，更何况还有人愿意花费几千万购买冷军的油画，所以，客观的讲，冷军的油画还是有艺术价值的，或多或少而已，
毫无疑问，超写实作品是大多数艺术家或画者所追求的，从视觉效果来看，超写实油画的确很唯美，欣赏起来很舒心，比看抽象画舒服百倍千倍，作为艺术家和欣赏者的审美其实没有多大差别；从表现形式来看，超写实油画适合绘画爱好者学习，“正常”的笔触线条，色彩对比，光影透视，可以很客观的表现生活人物场景。
当代画家冷军的作品，有人说是超写实艺术作品，也有人说他艺术性不高，您认为呢？中国油画来源于西方世界，在这一百年的时间里，也出现了很多颇有名气的油画家，比如，陈逸飞、杨飞云、罗中立、艾轩、刘晓东、陈丹青、冷军等等，问题来了：当代画家冷军的作品，有人说是超写实艺术作品，也有人说他艺术性不高，您认为呢？
当代画家冷军的超写实艺术作品首先要肯定的是冷军笔下的油画作品都是属于“超写实主义”风格，冷军的超写实油画作品人物都属于高颜值的，类似于“美颜、滤镜”过的那种效果，冷军擅长对人物从细节到整体用“光影效果”进行修饰，导致画作丝毫没有留下任何笔触的痕迹，其作品让人感觉就像是摄影照片，
超写实油画作品像摄影照片，导致油画的艺术性不高，这是大多数人都会有的感觉，这和人的审美能力没有关系，毕竟“超写实”事实是如此，画面光滑剔透的，给人很直观的视觉效果，可也让人认为，完成一幅超写实油画，只要对着一张摄影照片临摹就可以了，
不需要真实人物的写生，没有通过写生的作品，都是缺乏艺术性的，当代画家冷军的作品有没有写生或者从头到尾写生，有些人难免会有疑问，这很正常，而且人的传统思维都会这么认为：手工创作出和机器一样的效果，这都是技巧的作用，对于艺术来说，技巧是不能打动人的，
综上所述，这就是为什么有人认为当代画家冷军的超写实油画作品，艺术性不高的原因；其实，17世纪荷兰伟大画家伦勃朗创造了“伦勃朗式用光”时，超写实油画就诞生了，那是具备强烈写实色彩的超写实油画；然而，当代的超写实油画某些方面是在复古，大部分是趋向于时尚魔幻元素了，缺乏写实，好比是一个“网红”。